10 Películas Asombrosas de A24 que Necesitas Preparar Mentalmente
La reputación de A24 dentro de la industria cinematográfica es anything but ordinary. Se fundó como una compañía de distribución en 2012 por Daniel Katz, David Fenkel y John Hodges. Los tres tenían como objetivo reinvigorizar el paisaje cinematográfico con películas que permitieran a los cineastas tomar riesgos. La influencia del estudio puede ser un inhibidor significativo del producto final y a menudo puede interferir con ideas más originales a favor de atraer a audiencias amplias.
Este énfasis en la libertad creativa ha designado a A24 como una compañía que experimenta con narraciones y técnicas poco convencionales, resultando en experiencias verdaderamente conmovedoras para todo tipo de audiencias. Muchas películas de A24 pueden clasificarse como conmovedoras, reflexivas e incluso perturbadoras, por lo que podría ser mejor tener una mentalidad clara antes de embarcarse en el emocionante viaje que estas películas ofrecen.
10 Aftersun Evoca la Infancia y Aprehensión de la AdultezDos personajes centrales atraviesan viajes diferentes
El debut como directora de la escritora/directora Charlotte Wells, Aftersun, es una carta de amor a las complejidades de la familia y, más concretamente, a la relación especial entre padre e hija. Sophie, de 11 años, y su amoroso pero reservado padre, Calum, pasan unas vacaciones en un resort en Turquía, un viaje que es tan divertido y emocionante como problemático.
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La película sirve como un recuerdo para Sophie mientras reflexiona sobre los momentos pasados con su padre y momentos clave en su camino hacia la adolescencia. Muchos de estos momentos se ilustran a través del punto de vista de Sophie mientras intenta preservar la memoria de sus vacaciones con una miniDV. Aftersun está impregnado de nostalgia pero con un constante tono de melancolía que afectará profundamente a los espectadores. Para aquellos que han tenido relaciones complicadas con sus padres, esta película golpeará aún más fuerte.
Los espectadores podrían sentirse atrapados en el agujero del conejo con los personajes principales
Como muchos directores visionarios antes que él, Robert Eggers apenas titubea en su compromiso con la cinematografía oscura y visceral. Después de que su película de horror gótico e histórico, The Witch, se estrenara en el Festival de Cine de Sundance en 2015, los fanáticos quedaron instantáneamente atrapados por su detallada artesanía y clamaron por su próximo proyecto. The Lighthouse ejemplifica aún más el exquisito estilo de Eggers, ya que la película desciende lentamente en la locura después de que la sofocante confinación de una enigmática isla en Nueva Inglaterra desmorona la cordura de dos cuidadores de faros.
Willem Dafoe y Robert Pattinson ofrecen actuaciones impresionantes que la película no sería la misma sin ellas. Sus interacciones se construyen constantemente entre sí, estableciendo sus diferencias y similitudes en carácter y esclareciendo sus miedos y deseos. Para los fanáticos de lo horroroso y lo extraño, The Lighthouse es una película imprescindible, pero algunos espectadores pueden tener problemas para digerir ciertas escenas. La naturaleza surrealista de la película ha provocado incluso debates sobre el significado general de la película y lo que se podría clasificar como realidad o fantasía.
Esta película atraviesa rápidamente una gran variedad de emociones
Adaptada de una obra de teatro de 2012 escrita por Samuel D. Hunter, The Whale estaba destinada a ser tomada por A24. Una historia simultáneamente emocionalmente devastadora y edificante, la película no lleva a las audiencias físicamente lejos pero mueve profundamente el alma. La película sigue a Charlie, un hombre severamente obeso que está de luto por la pérdida de su amante mientras intenta reconectarse con su hija distanciada antes de llegar al final de su vida. La película ganó 2 premios Oscar por Mejor Maquillaje y Peinado y el premio al Mejor Actor para Brendan Fraser, quien ofreció un emotivo discurso de aceptación.
The Whale también cuenta con Hong Chau como Liz, la hermana de Alan, el amante de Charlie, quien cuida de él mientras se oculta en su desordenado hogar. Stranger Things estrella Sadie Sink interpreta a Ellie, la hija de Charlie, una joven amarga y rota cuyas dificultades la llevan a arremeter contra las personas. El pequeño elenco y el escenario singular realmente se ajustan a los orígenes teatrales de la historia y crean un entorno distintivo que es necesario para que la historia prospere. La naturaleza rica en diálogos de la película puede no parecer, al principio, un precursor a una total desolación espiritual, pero a medida que avanza la película, las audiencias comienzan a ver dentro de cada uno de estos personajes y sentir el peso de sus problemas.
Una película que muestra el poder de la conexión
Una película que nunca pierde de vista su núcleo emocional, Past Lives explora la narrativa común de cómo las elecciones alteran el curso de la vida de uno. Los amigos de la infancia Nora y Hae Sung son separados cuando la familia de Nora emigra a América, pero cuando se reconectan como adultos, se dan cuenta de que su profunda conexión nunca cesó. Claro, tienen que reconciliarse con el hecho de haber tomado caminos diferentes y haber entrado en diferentes relaciones, haciendo que la experiencia sea desgarradora pero relatable.
Todo el mundo tiene un momento en la vida donde considera lo que podría haber pasado si las cosas hubieran sido diferentes, y Past Lives explora ese sentimiento con intensa precisión. La relatabilidad de la película puede ser especialmente dolorosa para los espectadores que hayan pasado por una experiencia similar. Aunque su estructura narrativa es bastante sencilla, Past Lives tiene una capacidad minuciosa de sumergir a los espectadores en su atmósfera visceral con una cinematografía asombrosa y un diálogo introspectivo y una escritura poderosa.
El mundo de Kayla está lleno de ansiedad y soledad
Cuando el cantante/comediante Bo Burnham se propuso hacer una película sobre su lucha con la ansiedad, identificó un momento en la vida de uno en el que los sentimientos de incertidumbre e inseguridad están en su punto más alto: la escuela media. Después de ser nombrada "la más callada" en los superlativos de su escuela, la tímida adolescente Kayla Day se esfuerza por empujarse lentamente fuera de su zona de confort para encontrar pertenencia y aceptación entre sus compañeros y dentro de sí misma.
La conducta y personalidad de Kayla se traen a la vida de manera hermosa por Elsie Fisher, quien imbuye a Kayla con una autenticidad que no se siente exagerada o mal guiada. Josh Hamilton también ofrece una actuación vívida y conmovedora como el padre soltero de Kayla, quien la ama con todo su corazón, lo que lo lleva a sobrepasar límites a veces debido a su naturaleza protectora. A medida que Kayla se encuentra con diferentes personajes y se expone a nuevas experiencias, tanto positivas como negativas, gradualmente crece y comienza a encontrar comodidad en exactamente quién es.
La atmósfera colorida de esta película puede distraer de su maduro argumento
Una de las películas más prominentes del director ganador del Óscar Sean Baker, The Florida Project inyecta asombro infantil en un entorno que a menudo se vería como desolado. Corriendo por la zona turística poblada de Buena Vista con sus dos mejores amigos, Moonee, de 6 años, encuentra alegría y crea travesuras en su vasto mundo. La película pivota entre ilustrar esta inocente alegría y contrastarla con las duras realidades de la vida de la madre de Moonee, Halley.
A medida que Halley lucha por mantener una vida para ella y su hija, gana simpatía y bondad del duro gerente del hotel, Bobby, interpretado de manera elocuente por Willem Dafoe. Al igual que muchas de las otras películas de Baker, hay un aura reflexiva que rodea The Florida Project, una que obliga a los espectadores a desafiar sus preconcepciones sobre la pobreza, el trabajo sexual y estilos de vida fuera de la norma social. La verdadera preparación mental necesaria para ver esta película proviene del final, que equilibra una dolorosa realidad con una fantasía escapista.
El peso de esta historia se siente en cada escena
Basada en el best-seller del mismo nombre de Emma Donoghue, Room cuenta la escalofriante historia de una joven que es secuestrada por un hombre depredador y mantenida cautiva durante siete años. En ese tiempo, da a luz a un hijo que la ayuda a escapar de su prisión y asegurar una nueva vida para él y su madre. La película se mueve delicadamente entre la madre y su hijo Jack a medida que ambos se readjustan y se adaptan al mundo exterior.
Brie Larson ganó el Oscar a la Mejor Actriz por su actuación en los 88º Premios de la Academia, donde reconoció la actuación de su coprotagonista Jacob Tremblay, que tenía solo ocho años. Las actuaciones son indudablemente impresionantes y hacen que la película valga más que la pena ver, pero la trama puede ser extremadamente inquietante y desencadenante para algunos espectadores. La película se considera menos gráfica que el libro, aunque sigue siendo una adaptación fiel que satisface a los fans.
3 Midsommar Es una Visita Aterradora a los Terrenos de un Culto PaganoEsta película es icónica por su impactante imaginería
Del director de horror Ari Aster, cuyo trabajo es sinónimo de la presencia idiosincrática de A24, Midsommar es una experiencia vívidamente escalofriante. La querida actriz Florence Pugh protagoniza como una mujer en duelo que acompaña a su novio en un viaje a un pueblo rural sueco, y es sometida a actividades y rituales cada vez más inquietantes. Los sutiles detalles de la película que lentamente se desvanecen en algo más siniestro realzan su suspense desgarrador, capturando fácilmente la atención de los espectadores.
La película presenta cierto gore menor y un intenso horror psicológico que dejará una impresión duradera en cualquier espectador, pero puede ser especialmente perturbador para aquellos que no están acostumbrados a las convenciones del horror. Aún así, Midsommar es más que simplemente una película de horror unidimensional y tiene mucho material que puede ser analizado y diseccionado por críticos y fanáticos del cine.
Una mirada sin flinchar a la banalidad del mal
Casi todas las películas con tramas centradas o adyacentes al Holocausto están destinadas a ser perturbadoras, pero The Zone of Interest se encuentra en una liga separada como una película que utiliza el sonido y pequeños detalles para encapsular los horrores del genocidio. La película ganó el Oscar a Mejor Sonido en los 96º Premios de la Academia, así como Mejor Largometraje Internacional. La película no opera como lo que se piensa que es una película tradicional sobre el Holocausto, ya que sigue las vidas de la familia Höss, que vive en una hermosa casa justo al lado de un campo de concentración construido por el patriarca de la familia.
Cualquier brutalidad que los prisioneros judíos enfrentan a manos de los nazis solo se escucha desde el lado del cercado que separa un mundo de vida floreciente y un mundo de muerte atroz. Una reseña de The New Yorker dice: "Lo que está fuera de vista no necesita estar fuera de oído. De cualquier manera, podrías pensar que no puede estar fuera de mente", reconociendo el compromiso impactante de la película de dejar que la imaginación del espectador convoque los viciosos horrores que la familia Höss está presenciando distraídamente.
Los fanáticos del horror moderno no pueden alabar lo suficiente esta aterradora película
El debut como director de largometraje del aclamado director Ari Aster, Hereditary es citada como una de las mejores películas de horror modernas, con algunos incluso llamándola la mejor película de horror del siglo XXI. Aunque esa afirmación es objeto de debate, no hay forma de subestimar que Hereditary tiene una impenetrable capacidad para meterse bajo la piel. Lo que comienza como un drama desgarrador sobre el duelo lentamente desciende en una experiencia horripilante que mezcla temas sobrenaturales con determinismo existencial.
Con una actuación digna de un Oscar de Toni Collette, Hereditary se despliega sin problemas ante los ojos de las audiencias. A medida que la verdadera naturaleza de la película se revela, el asombro se establece mientras las cosas poco a poco caen en su lugar. El horror es mejor cuando todos los pequeños detalles suman a una conclusión que es tanto satisfactoria como comprensible. Hereditary no solo alcanza ambas metas, sino que defiende las expectativas y deja a los espectadores sin aliento a medida que se construye su climática y aterradora conclusión.
