10 veces que los cómics cambiaron el mundo

A pesar de que esta forma de arte existe desde el siglo XIX, los cómics han sido a menudo injustamente tachados de ficción pulp juvenil o de ficción infantil desechable. Esto es así a pesar de que los cómics son una de las formas más accesibles de contar historias. Los cómics han cambiado el mundo en formas que van más allá de ser la base de algunas de las películas más exitosas de la historia.

Todo lo que hizo falta para cambiar el curso de la forma de arte y la industria del cómic, o incluso la historia del mundo, fue un solo cómic, que a menudo fue lo último que sus respectivos creadores esperaban. Los cómics han formado parte de las experiencias y métodos de narración de la gente desde el siglo XIX, pero el medio siempre está abierto al cambio y la evolución.

En los años 50, la industria del cómic fue atacada por fuerzas puritanas (y racistas apenas veladas), que creían que los cómics estaban "corrompiendo" a la juventud estadounidense. La industria se comprometió con la creación del Comics Code Authority, que expulsó del negocio a EC Comics, empresa amante del terror, y obligó a los editores restantes a ajustarse a normas obsoletas.

Los inventos que cambiaron el mundo Marvel

Los 10 mejores cómics de Marvel que cambiaron el statu quo

El CCA se mantuvo ridículamente poderoso desde 1954 hasta 2000, pero Marvel Comics desafió a la Autoridad en 2001. En abril de 2001, la CCA rechazó el número 116 de X-Force de Peter Milligan y Michael y Laura Allred debido a la violencia y la sexualidad. En lugar de cumplir, Marvel publicó el número de todos modos. Una tras otra, las editoriales abandonaron la CCA, que quedó impotente en 2011.

Image y Valiant Comics no sólo fueron dos de las nuevas editoriales de los años 90, sino también dos de las más importantes de la década. Las dos compañías eran estudios independientes creados para desafiar directamente el dominio de DC y Marvel en la industria, y mucho dependía de su éxito o fracaso. Por desgracia, uno de sus mayores proyectos compartidos fracasó.

Deathmate, el crossover de Image y Valiant, fue un desastre logístico y financiero de tal magnitud que no sólo arruinó la credibilidad de ambas compañías, sino que estuvo a punto de acabar con el cómic. El hecho de que Deathmate no cumpliera los plazos ni obtuviera beneficios alejó a los clientes y a los inversores de los cómics, y esta confianza sólo se recuperó tras décadas de lucha.

El Premio Pulitzer es uno de los galardones más prestigiosos del mundo, y está reservado a los más altos logros en literatura y periodismo. Elhecho de que el controvertido cómic Maus, de Art Spiegelman, ganara el Pulitzer en 1992 es un testimonio de su importancia, y este honor se hace aún más especial por el hecho de que Maus es, hasta ahora, el único cómic que ha ganado el premio.

Por extraño que parezca, la victoria de Maus causó un poco de confusión. Dado que Maus utiliza animales antropomórficos para relatar los horrores del Holocausto, algunos argumentaron que debería clasificarse como ficción, aunque Maus sea autobiográfico. El organismo encargado de los premios Pulitzer eludió esta cuestión otorgando al cómic un Premio Especial en Letras.

The Sandman , de Neil Gaiman, no es sólo su reinvención del largamente olvidado personaje de DC Comics, sino su sentida oda a la literatura y a la propia narrativa. En ningún lugar quedó tan claro como en el decimonoveno número del cómic, "A Midsummer's Night Dream", en el que Sueño y William Shakespeare llegan a un acuerdo amistoso.

Ilustrado por Charles Vess y Steve Oliff, el número 19 de The Sandman ganó el premio a la mejor historia corta en los World Fantasy Awards de 1991. Sin embargo, en una controvertida maniobra de despecho, los Premios Mundiales de Fantasía prohibieron después los cómics para mantenerlos alejados del "arte real", lo que no hizo sino afianzar el resentimiento de los lectores y creadores de cómics hacia el establishment de la ciencia ficción.

1986 podría resumirse como el año en que los cómics "crecieron", y esto fue gracias a los lanzamientos simultáneos de The Dark Knight Returns , de Frank Miller, y Watchmen , de Alan Moore y Dave Gibbons . Ambas fueron obras maestras de la deconstrucción de los superhéroes, pero la forma en que cambiaron el cómic como arte y negocio es prácticamente la misma.

TDKR y Watchmen demostraron que los cómics, especialmente los libros de superhéroes, eran algo más que un entretenimiento para niños con un barniz de legitimidad reforzado por las reediciones de novelas gráficas con clase. Para bien y para mal, los superhéroes ya no podían limitarse a luchar contra el mal, ya que durante la siguiente década todo el mundo reaccionó a esos cómics o los siguió.

5 Dazzler #1 se vendió tan bien que inició el boom de los especuladores

Los años 80 fueron algunos de los más rentables para el cómic, y esto se debió en parte al creciente mercado de los especuladores. Las editoriales ya se estaban alejando de los lectores jóvenes para acercarse a los adultos, que trataban los cómics más como una inversión que como un entretenimiento populista. Este cambio se concretó después de que Dazzler nº 1, de Tom Defalco, John Romita Senior y Junior, John Buscema, Alfredo Alcalá, Bob McCleod y Glynis Wein, se convirtiera en un éxito de ventas.

En 1981, Marvel puso a prueba el mercado de los coleccionistas vendiendo Dazzler nº 1 exclusivamente en las tiendas de cómics. El experimento fue un éxito, y Dazzler nº 1 vendió rápidamente más de 400.000 ejemplares. A partir de ese momento, muchos cómics sólo se vendieron en las tiendas de cómics y el mercado de los especuladores se convirtió en el grupo demográfico dominante en las ventas de cómics, hasta que la burbuja estalló en 1996.

Tras la fundación del Comic Code Authority en 1954, los cómics se esforzaron por ser "sanos", lo que dio lugar a la época conocida coloquialmente como La Edad de Plata del Cómic. Este periodo comenzó con el número 4 de Showcase de DC, que recuperó a los superhéroes de la guerra, como The Flash, y los recontextualizó en inocentes fantasías de evasión.

Esto se prolongó durante unos 20 años, pero la era terminó en 1973 con la historia de Spider-Man "La noche en que murió Gwen Stacy", que cumplió lo prometido cuando Spider-Man pudo salvar a su verdadero amor, Gwen, del Duende Verde. Este arco argumental eludió la ira de la CCA y dio paso a la Edad de Bronce, una época definida por una ficción de superhéroes más oscura y actual.

Según quien pregunte, Osamu Tezuka es el padre o el dios del manga y el anime. Cualquiera de los dos títulos es apropiado, ya que Tezuka prácticamente creó por sí mismo las formas de expresión artística y de entretenimiento más famosas de Japón. Todo comenzó en 1953 con Mighty Atom , más conocido en todo el mundo como Astro Boy.

El trabajo de Tezuka en Mighty At om fue pionero en lo que se convertiría en el estilo y el negocio del manga moderno, y este es su verdadero legado. Mighty Atom no sólo sentó las bases del diseño de personajes del manga, sino que su anime también dio a luz a la industria del anime. Sin Mighty Atom , el manga y el anime no existirían, y el mundo sería más pobre por ello.

Antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial, la población en general se debatía entre el aislacionismo y la participación. Dada su creencia en la libertad y su odio al nazismo, los creadores de cómics Jack Kirby y Joe Simon pensaron que Estados Unidos debía unirse a la lucha, y crearon al Capitán América para hacer esta afirmación. Ni que decir tiene que su mensaje fue escuchado.

Desde marzo de 1940 hasta el 8 de diciembre de 1941, el Capitán América envalentonó el apoyo estadounidense a la guerra, al tiempo que enfurecía a los simpatizantes del fascismo y a los aislacionistas. El Capitán América se convirtió en una parte integral de las campañas de propaganda estadounidenses. Incluso se podría argumentar que, de no ser por el Capitán América, el esfuerzo bélico estadounidense habría sido mucho menos sólido.

Históricamente, los cómics existen desde el siglo XIX, pero el medio y la industria del cómic, tal y como se conocen hoy, no surgieron hasta 1938. En junio de 1938, el número 1 de Action Comics llegó a los quioscos y presentó al mundo a Superman: el personaje insignia de DC Comics y el superhéroe que también se considera el primero de su clase.

Action Comics #1 fue el cómic de superhéroes que lo empezó todo, pero no todo lo que dio a luz fue bueno. Aunque la leyenda de Superman estaba garantizada, DC Comics negó a sus creadores, Jerry Siegel y Joe Shuster, el derecho a su famosa y rentable creación. Lamentablemente, esto se convertiría en una norma de la industria, estableciendo un modelo de trabajo por encargo que significa que los cómics de propiedad de los creadores y la compensación justa para los escritores y artistas son igualmente raros.