Clasificación de las 30 mejores películas de comedia de todos los tiempos

Las comedias tienen un barómetro de calidad muy sencillo: el público se ríe o no se ríe. A la inversa, las mejores comedias son las que el público sigue encontrando divertidas incluso después de décadas. Eso define a los verdaderos maestros, que se remontan a Charlie Chaplin y Buster Keaton, así como a figuras más recientes.

También confiere a la comedia un atractivo perdurable que evita los altibajos de otros géneros. He aquí 30 de las mejores comedias de la historia del cine. Además de su permanente poder para hacer reír, cada una de ellas aporta algo especial a sus esfuerzos que ninguna otra película puede duplicar.

Steve Martin recibió un Oscar honorífico en 2014, pero nunca fue nominado formalmente, lo que habla del desdén que las élites del cine sienten por la comedia. Roxanne es el ejemplo más flagrante, además de ser la interpretación cómica más pulida de Martin en una carrera brillante.

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Su C.D. Bales es una variación de Cyrano de Bergerac -con una nariz cómicamente alargada- que corteja a la estudiante de astronomía de Daryl Hannah con la ayuda de un amigo guapo pero tonto. El guión (escrito por él mismo) suaviza la comedia física con la que se dio a conocer en favor de ocurrencias más sutiles. Aporta una extraordinaria cantidad de corazón en el proceso y revela a uno de los mejores cómicos del cine como un amante igualmente grande en el proceso.

Cada generación tiene sus comedias para adolescentes, desde las películas de John Hughes de los ochenta hasta el clásico de la generación del milenio Easy A. Booksmart encaja todo eso en un subgénero asociado -la película de fiesta- para una brillante actualización de la fórmula. La directora Olivia Wilde se centra en un par de mejores amigas que han mantenido su nariz en la piedra de afilar durante toda su carrera en la escuela secundaria, sólo para soltarse la noche antes de la graduación con una fiesta para las edades.

La perspectiva femenina da a Booksmart cierta distinción, y Wilde duplica hábilmente el truco de Hughes de implicarse plenamente en el estado emocional de los protagonistas. Esto da lugar a momentos de angustia sobrecogedora en medio del alocado caos. Aunque sólo tiene unos pocos años, parece preparada para el largo plazo y podría haber convertido la película de fiestas en una obra de arte.

El fracaso de ¡Policía! dejó mucho potencial sin desarrollar, que sus creadores retomaron sabiamente unos años más tarde. Leslie Nielsen ya había alcanzado la inmortalidad en la comedia con Airplane, pero The Naked Gun le dio un magnífico protagonismo como el inepto detective de policía Frank Drebin.

En efecto, la película reduce la fórmula de ¡Avión! a una sola actuación: una de las más divertidas jamás filmadas. Los realizadores lanzan todos los chistes imaginables a la pared para ver qué se pega. Pero Nielsen lo interpreta todo con seriedad, aparentemente inconsciente del caos que él mismo está provocando. Ofrece el ritmo adecuado que los programas policiacos de televisión se han merecido durante décadas, a la vez que lanza al actor a su última etapa como superestrella de la comedia.

Will Ferrell no tiene parangón a la hora de retratar a hombres-niños engreídos en momentos de crisis. Ron Burgundy marca la cúspide de su carrera: un locutor alfa de San Diego cuya burbuja de prepotencia se derrumba con la llegada de la rival de Christina Applegate. Él y su camarilla se desmoronan de la forma más histérica posible.

La película coquetea con el slapstick, pero se mantiene lo suficientemente centrada como para clavar el cuchillo en su objetivo. Y aunque es el espectáculo de Ferrell, Anchorman está repleta de actores cómicos brillantes, como Paul Rudd y Steve Carell, que cimentaron sus credenciales aquí. Burgundy incluso se gana la simpatía del público al admitir sus defectos tras un largo y doloroso sufrimiento, retando a sus homólogos del mundo real a igualarle.

El capítulo intermedio de la trilogía Cornetto de Edgar Wright es generalmente reconocido como el mejor, aunque Shaun of the Dead de 2006 supone una fuerte competencia. En esta ocasión, Wright se centra en las películas de acción policial al estilo de Michael Bay, ya que el policía londinense de Simon Pegg, hipercompetente pero sin pretensiones, se encuentra en un idílico pueblecito con siniestros secretos.

Wright imita diabólicamente la fórmula de Bay de implacable bombardeo emocional en actividades mundanas como el papeleo o el acorralamiento de un cisne rebelde. La pirotecnia propiamente dicha comienza cuando se descubre la conspiración de la ciudad, pero incluso entonces, todo es gloriosamente exagerado. Con un grupo de veteranos del género de acción a bordo -encabezados por el bigotudo líder cívico Timothy Dalton- Hot Fuzz le da alegremente a su objetivo la cuerda para ahorcarse.

Cada día y en todos los sentidos, el mundo da la razón a Idiocracy . La 20th Century Fox intentó enterrar la visión de Mike Judge de un mundo en el que triunfa la estupidez terminal, pero se convirtió primero en un clásico de culto y luego en una visión inquietantemente premonitoria de lo que está por venir.

Como muchas de las mejores comedias, convierte una premisa sencilla en una cornucopia de gags divertidos cuando el ordinario imbécil del siglo XXI interpretado por Luke Wilson despierta tras haber estado congelado durante siglos y se encuentra con que es la persona más inteligente del mundo por defecto. Sus desconcertadas súplicas de sentido común caen en saco roto cuando una población de imbéciles exige la salvación de sus heridas autoinfligidas. Estamos mucho más cerca de ello de lo que la mayoría de la gente quiere admitir.

Cuando apareció por primera vez en los cines a finales de 1985, la crítica tachó Cluedo de truco fallido. Los múltiples finales olían a chanchullo, y el vodevilesco guión parecía demasiado anticuado. Varias décadas después, lo "anticuado" se ha convertido en "intemporal", y el afán de lucro se ha convertido en un adorado clásico. El hecho de basarse en un antiguo juego de mesa ayuda: no sólo proporciona una trama natural, sino también los auspicios de un misterio de salón para satirizar.

Dentro de ese marco, el asombroso talento del reparto se pone a trabajar como los diversos sospechosos del juego, intentando descubrir al asesino antes de que ellos acaben siendo la siguiente víctima. En última instancia, se trata de un testimonio de su exquisita sincronización, junto con un guión del director Jonathan Lynn que permite al conjunto jugar con sus puntos fuertes. En retrospectiva, se eleva simplemente por hacer todo bien.

Técnicamente, El día de la marmota podría clasificarse como ciencia ficción, aunque nunca da una causa para el bucle temporal que atrapa al odioso hombre del tiempo de Bill Murray en el mismo día una y otra vez. El director y coguionista Harold Ramis sugirió que se trataba de decenas de miles de años, lo que lleva a su protagonista de la alegría a la desesperación y a la aceptación zen a medida que el tiempo pierde sentido.

El chiste real sugiere lo difícil que es para algunas personas cambiar, ya que Murray se convierte en un hombre mejor a través de un sufrimiento aparentemente interminable. Pero también conlleva una catarsis que da más peso al humor. El protagonista enmarca su mejora como un acto de ego - "su" día va a estar libre de problemas-, pero es la clave para aceptar la verdad que ha negado durante tanto tiempo. En el mundo existen otras personas, y al hacer lo correcto por ellas, él proporciona la clave para su propia salvación.

No hay nada divertido en los monstruos de Abbott y Costello conocen a Frankenstein: un quién es quién de los monstruos clásicos de la Universal que regresan para abrir el telón. El dúo cómico se ríe como sus desventuradas víctimas, que intentan como locos mantenerse alejados de ellos. Nunca han estado tan inspirados, sobre todo Lou Costello, cuya cara de goma aterroriza por sí sola.

Pero el respeto que muestran por esas películas anteriores convierte a la película en algo especial. Ello incluye el regreso de Bela Lugosi a su papel más famoso por primera vez desde Drácula (1931), así como a actores de la talla de Glenn Strange y Lon Chaney Jr. en su mejor momento de ferocidad. Sus monstruos ya estaban cayendo en la parodia cuando Bud y Lou hicieron su jugada. Al aceptarla, y lo que es más importante, al apuntar la sátira en la dirección correcta, la película honra a sus objetivos al tiempo que los ridiculiza.

A primera vista, Cazafantasmas es un homenaje a las comedias de terror clásicas del tipo Abbott y Costello conocen a Frankenstein. El director Ivan Reitman posee los instintos adecuados, mientras que la estrella y coguionista Dan Aykroyd aporta su interés por lo oculto al guión. Eso convierte a los anticuados sombras y esqueletos de las películas anteriores en seres de maldad cósmica, ayudados por el auge de los efectos especiales de los 80 que podían ofrecerles el espectáculo terrorífico que merecían.

Con mayores sustos llegan mayores risas, ya que el cuarteto de héroes torpes de la película intenta contener a los monstruos con un equipo apenas probado y una buena dosis de discusiones. El resultado podría calificarse como la comedia lovecraftiana más exitosa de la historia, con los Grandes Antiguos desbaratados por una pandilla de cabezas huecas instalados en un viejo parque de bomberos. Incluso acaban con la dignidad del Gran Mal convirtiéndolo en un hombre de malvavisco gigante: la prueba de que incluso las amenazas más terroríficas pueden acabar con un pastel en la cara.

El director Howard Hawks solía emplear diálogos superpuestos en sus películas: los personajes se interrumpían o hablaban unos sobre otros. Este método triunfó tanto en la comedia como en el drama, pero nunca tanto como en His Girl Friday. La reportera de Rosalind Russell intenta detener la ejecución de un hombre inocente. Cary Grant la sigue paso a paso como su ex marido y actual editor.

La historia es menos importante que la notable forma en que Hawks mantiene la dinámica básica entre sus dos protagonistas. Cada uno intenta superar al otro, y ninguno de los dos cede un ápice de terreno. Su duelo verbal mientras persiguen la primicia se convierte en el propósito del ejercicio, que el director y su reparto mantienen sin pausa durante todo el metraje. La hazaña aún no se ha repetido.

Los hermanos Coen se deleitan con tramas bizantinas apoyadas en conceptos muy simples. A primera vista, El gran Lebowski es un riff de las novelas de Raymond Chandler: simplemente sustituyendo a Philip Marlowe por el legendario Dandy de Jeff Bridges. Eso también convierte a la película en una oda a Los Ángeles, concretamente a los extraños maravillosamente extraños que abarrotan los rincones de Tinseltown.

Pero en algún momento, su singular protagonista se ha convertido en un sustituto de todas las almas que intentan ocuparse de sus propios asuntos. El laberíntico misterio en el que se ve envuelto resulta ser una caza masiva de francotiradores, puede que haya engendrado un hijo en el proceso y, a pesar de todo el caos, en realidad sólo intenta recuperar su maldita alfombra. Más allá de los personajes memorables y los magníficos diálogos, sus sencillas necesidades tocan una fibra sensible única.

El romance poco convencional es habitual en las comedias, desde los tiempos de Shakespeare. Hal Ashby traspasa los límites de esa noción con Harold y Maude, en la que un adolescente taciturno entabla una relación con un espíritu libre de 79 años. Su rechazo de las normas sociales roza lo misántropo, pero siempre llega acompañado de calidez, humor y un profundo amor por la vida.

La verdadera magia de la película consiste en conseguir que su pareja resulte graciosa y dulce en lugar de espeluznante. Bud Cort y Ruth Gordon encuentran el tono emocional adecuado para que sus dos inadaptados conecten hasta el giro final, que sitúa el resto de la película en el contexto perfecto. Lo que podría haber sido una incómoda destrucción de tabúes se convierte en una celebración del amor en sus propios términos y en los de nadie más.

John Cleese y Michael Palin, ex alumnos delos Monty Python, se pasan a la comedia menos surrealista sin perder el ritmo, gracias a la ayuda de Kevin Kline y Jamie Lee Curtis. El cuarteto encabeza una farsa sobre un atraco cuyo cerebro es arrestado mientras su banda de traidores intenta convencer a su abogado para que les ayude a cobrar el botín.

Por debajo de eso, Un pez llamado Wanda echa un vistazo dolorosamente divertido a las diferencias entre americanos y británicos. El matón de Kline, Otto, personifica a los idiotas de todo el mundo, mientras que la intrépida Wanda de Curtis se burla de los estirados ojos ingleses de sus objetivos. La comedia, centrada en la trama, va en contra del estilo de Python, pero el mismo ingenio asombroso sale a relucir.

Bringing Up Baby fue un bombazo en su estreno, lo que contribuyó a la reputación de la estrella Katherine Hepburn como "veneno para la taquilla". Hepburn y la película rieron al final, y hoy en día se considera una de las mejores comedias clásicas de Hollywood. (Las proyecciones televisivas regulares en los años 50 y 60 ayudaron).

Howard Hawks se inspira en las comedias de Shakespeare cuando el apacible paleontólogo de Cary Grant es enloquecido por la alocada heredera de Hepburn y su leopardo Baby. Como en la mayoría de las comedias de Hawks, las bromas son lo más importante, ya que dos personas bien educadas y sin problemas apreciables intentan resolver lo que sienten el uno por el otro. Con unas cuantas escenas memorables -incluido el momento cumbre en el que un leopardo devorador de hombres es confundido con Baby- establece el estándar del amor imposible en medio de un caos desquiciado.

Hay comedias románticas, y luego está Cuando Harry encontró a Sally... la indeleble visión de Rob Reiner sobre el amor, la amistad y hasta qué punto uno depende del otro. La pareja protagonista pasa la mayor parte de la película como amigos íntimos hasta que ambos sospechan que pueden ser algo más. Al parecer, la guionista Nora Ephron basó los dos personajes en ella y en Reiner, lo que refuerza la increíble química entre las estrellas Billy Crystal y Meg Ryan.

Pero es el compromiso con el amor platónico lo que diferencia a Cuando Harry encontró a Sally... de otras comedias románticas. La película no ofrece ninguna chispa mágica ni ninguna circunstancia artificiosa para unir a la pareja. Son sólo dos adultos que pasan por sus vidas, sólo para darse cuenta al final de que la persona que se preocupa por ellos más que nadie ha estado ahí todo el tiempo. El romance entre adultos nunca ha tenido un campeón tan fuerte.

Las adaptaciones de Saturday Night Live tienen un estatus inestable en la gran pantalla, con un pequeño puñado de triunfadores que excusan un sorprendente número de fracasados. The Blues Brothers es su obra maestra indiscutible, ya que los réprobos con gafas de sol de Dan Aykroyd y John Belushi casi demuelen Chicago en un intento de salvar sus almas. El director John Landis llena el reparto de brillantes actores cómicos y aumenta el caos cuando la amenaza del tráfico de Aykroyd crea algunas de las persecuciones de coches más espectaculares jamás filmadas.

Pero la música es el arma secreta de The Blues Brothers . El género estaba en franca decadencia cuando se estrenó la película y se consideraba anticuado. La película da un vuelco a esas ideas con un puñado de leyendas del R&B, como Aretha Franklin, James Brown y Ray Charles. De algún modo, Landis los encaja en un asombroso paquete de canciones, risas y demolición de un montón de coches patrulla.

El modelo para las comedias románticas llegó con Sucedió una noche, justo antes de que el Código Hays aterrizara en Hollywood, dándole una apertura sexual que permaneció ausente durante décadas después. También consiguió la hazaña sin precedentes de ganar los "cinco grandes" Oscar de ese año, algo que ninguna otra comedia ha logrado hasta ahora. Y aunque sigue siendo un producto de su tiempo, no se puede negar lo divertida que sigue siendo la película.

Como muchas de las mejores comedias románticas, la historia sirve en gran medida para mantener a la pareja central unida y discutiendo el tiempo suficiente para enamorarse. El malogrado reportero Clark Gable se enamora de la fugitiva heredera Claudette Colbert. Sus travesuras han inspirado casi todas las películas de este tipo que han aparecido desde entonces.

El General, de Buster Keaton, sigue siendo su obra maestra, pero su asombroso trabajo de acrobacia se ve anulado por un héroe confederado extremadamente problemático. Steamboat Bill, Jr. es mucho menos problemática e igual de ingeniosa. Keaton interpreta al hijo de un capitán de barco de vapor que intenta cortejar a la hija del rival de su padre, utilizando sus asombrosas acrobacias para enamorarla y evitar la ira de su padre.

Al igual que El general, termina con otra escena espectacular: un huracán arrasa la ciudad y Keaton lucha contra el viento para rescatar a sus allegados. El colofón lo pone el famoso plano en el que Keaton se salva del derrumbe de un muro gracias al cristal de una ventana abierta. En una época en la que no existían los dobles ni los dispositivos de seguridad, las proezas atléticas siguen quitando el aliento.

Aunque conocido sobre todo como estrella del cine mudo, Charlie Chaplin hizo la transición al sonoro sin mucha dificultad, como demostró el éxito de El gran dictador . Chaplin interpreta dos papeles en la película: una versión apenas disfrazada de Adolf Hitler y un barbero judío perseguido por su gobierno. Su imitación del verdadero Hitler es salvajemente divertida -supuestamente aprendida viendo películas de Leni Riefenstahl- y contrasta con su sincera petición de compasión e iluminación en el clímax.

Como sátira de una figura concreta, El Gran Dictador es el modelo a seguir para utilizar la comedia para dar un puñetazo. Chaplin revela el oscuro corazón de su súbdito en una inquietante escena en la que baila con un globo terráqueo gigante, mientras el barbero realiza esfuerzos similares a los de Little-Tramp para sobrevivir y prosperar. Su uso de la comedia como condena y advertencia sigue inspirando a los cineastas de hoy en día.