Las 10 Películas de Ciencia Ficción de los 90 Más Infravaloradas, Clasificadas

Los años 90 fueron una época especial para la ciencia ficción. Con el lanzamiento de Jurassic Park y Terminator 2: Judgment Day, los estudios de cine comenzaron a reconocer el potencial práctico de los efectos especiales por computadora (CGI) y otros efectos especiales. Películas como The Matrix revolucionaron el cine con técnicas como el slow motion, influyendo no solo en el género de ciencia ficción y acción, sino en casi todos los géneros de la industria. Sin embargo, muchas películas de ciencia ficción de los 90 pasaron desapercibidas en su momento y solo ahora están recibiendo la apreciación que merecen.

Muchas grandes películas de ciencia ficción de los 90 tenían una estética oscura y grunge que las hacía menos aptas para toda la familia, limitando así su audiencia. Varios fueron producciones independientes que tuvieron que encontrar formas creativas para trabajar con presupuestos pequeños. Además, la ciencia ficción de los años 90 a menudo se inclinaba hacia lo extraño y lo poco convencional, lo que llevó a una recepción negativa por parte de los críticos y a una falta de conciencia entre el público general. Explorar las películas de ciencia ficción de los 90 puede ser un deleite inesperado para los aficionados al género.

10 Demolition Man es Completamente Absurda y Totalmente Brillante

Demolition Man

Con víctimas inocentes atrapadas en el fuego cruzado en la intensificación de la guerra contra el crimen en Los Ángeles, tanto el policía John Spartan (Sylvester Stallone) como el violento matón Simon Phoenix (Wesley Snipes) son condenados a un estado de encarcelamiento congelado conocido como "CryoPrison". Cuando finalmente Spartan es descongelado 36 años después, es 2032, y Los Ángeles es ahora una utopía pacifista llamada San Ángeles. Pero con Phoenix nuevamente suelto, Spartan debe unirse al futuro oficial Lenina (Sandra Bullock) para capturar al asesino.

Las 10 películas de ciencia ficción de los 80 más infravaloradas

10 películas de ciencia ficción infravaloradas que son impecables de principio a fin

Demolition Man fue concebida como un vehículo de regreso para Sylvester Stallone, logrando éxito comercial a pesar de ser mal recibida por la crítica en su lanzamiento. La película es desmedidamente exagerada, tanto en su acción como en su diálogo, y su novedad solo ha crecido con el tiempo. Un factor clave en su perdurable atractivo es el compromiso de su elenco. Sandra Bullock y Benjamin Bratt abordan el absurdo guion con total sinceridad, equilibrando las actuaciones más grandes que la vida de Wesley Snipes y Stallone de una manera que es imposible no admirar.

Más allá de su acción explosiva y sus líneas inolvidables, Demolition Man también ofrece una visión entretenida del futuro. Su comentario satírico sobre el consumismo brilla a través de anuncios falsos y extrañas comodidades tecnológicas, a menudo vinculadas a la recreación degenerada. La mezcla de espectáculo caótico y crítica social con un tono irónico hace de la película un perfecto éxito de los 90.

9 The Rocketeer fue un Regreso al Estilo de los Cómics de Pulp

The Rocketeer

Un joven piloto se topa con un prototipo de mochila cohete que le permite convertirse en un héroe enmascarado volador.

En los años 90, películas de estilo pulp como The Phantom y Dick Tracey eran populares, y The Rocketeer fue la mejor entre esas películas. The Rocketeer nos lleva de regreso a Estados Unidos en el umbral de la Segunda Guerra Mundial, cuando la vida era más simple y todos sabían quiénes eran los villanos (en este caso, los nazis). Aunque The Rocketeer no utilizó muchos efectos especiales, aún logra capturar maravillosamente el vuelo de un superhéroe, además de tener escenas raras y exageradas que presentan zeppelines volando sobre Los Ángeles.

A pesar de que The Rocketeer era una propiedad intelectual menor y no contaba con grandes estrellas, no pudo escalar más allá del puesto número 4 en la taquilla nacional. Sin embargo, The Rocketeer tiene una trama dinámica que está cargada de actos rápidos y algunos giros menores para mantenerte interesado. Aunque The Rocketeer es alegre y tonto, se toma a sí misma en serio solo lo suficiente para mantenerte involucrado en las apuestas. The Rocketeer flexiona su creatividad al contar una historia exitosa de superhéroes sobre un tipo que no tiene poderes ni equipo más que un cohete atado a su espalda.

8 Starship Troopers fue una Sátira Mal Entendida por el Público de los 90

Starship Troopers

Los humanos en un futuro fascista y militarista libran una guerra contra gigantescos insectos alienígenas.

Inicialmente, Starship Troopers fue desestimada como una película de ciencia ficción campy que glorificaba al ejército y dejó a las audiencias insatisfechas con su final. Sin embargo, Paul Verhoeven pretendía satirizar la propaganda de derecha y la glorificación de la guerra, todo mientras entregaba un espectáculo entretenido de soldados combatiendo gigantescos insectos alienígenas. Según los estándares de hoy, Starship Troopers puede carecer de sutileza, pero ofrece una aguda crítica al colonialismo, militarismo y nacionalismo. Presenta un mundo donde el apartheid está normalizado y la violencia es celebrada como un medio necesario para resolver conflictos.

Aún para aquellos desinteresados en sus filosofías o comentarios políticos, Starship Troopers sigue siendo una película llena de acción repleta de sangre, desnudez y energía caótica. Se deleita en la imaginería repugnante y el comportamiento clasificado R que definió gran parte de los medios de los años 90. La película no teme desarrollar personajes queribles solo para hacer que encuentren finales espantosos, como ser perforados por escarabajos gigantes, lo que la convierte en una experiencia impredecible y emocionante.

7 Dark City El Diseño Gótico de su Escenario es Insuperable

Dark City

El director Alex Proyas muestra algunos de los mejores diseños de escenarios en el cine de ciencia ficción con Dark City. Influenciada por películas como Batman, Dark City presenta una metrópolis noir llena de sombras y arquitectura gótica. Su ambiente es tanto extraño como visualmente impresionante, con emocionantes escenas donde los edificios cambian y se remodelan, amplificando la atmósfera inquietante y la gravedad de su mundo.

Aunque Dark City sufre de diálogos ocasionalmente poco realistas y interpretaciones dispares, sigue siendo un misterio cautivador en el género de ciencia ficción. La historia entrega una serie de revelaciones inesperadas que generan impulso, y su trama vertiginosa compensa la ausencia de una fuerte profundidad temática. A pesar de favorecer el estilo sobre la sustancia, resulta sorprendente el fracaso de taquilla de la película, especialmente dado su ambicioso aspecto visual. Con el tiempo, Dark City ha ganado uno de los seguidores de culto más significativos entre las películas de ciencia ficción de los 90, cimentando su legado como una experiencia cinematográfica única.

6 Cube Fusionó la Claustrofobia Con la Resolución de Rompecabezas de Alto Riesgo

Cube (1997)

Seis completos extraños con personalidades ampliamente diferentes son involuntariamente colocados en un laberinto interminable que contiene trampas mortales.

Mucho antes de que los escape rooms se convirtieran en una pasatiempo popular, Cube llevó a las audiencias a un juego mortal donde extraños debían resolver rompecabezas para sobrevivir. No lograr resolver estos rompecabezas resultaba en consecuencias espeluznantes, como ser desmembrado. Cube es una clase magistral en la realización de cine de bajo presupuesto, utilizando de manera efectiva un solo set para crear su mundo entero.

La película genera tensión con sus habitaciones claustrofóbicas y débilmente iluminadas, donde cada decisión se siente como una apuesta de vida o muerte. Uno de los elementos más atractivos de Cube es observar a los personajes proponer y debatir varias teorías para escapar, cada uno aportando perspectivas únicas a los desafíos. Para los entusiastas de las matemáticas, la película ofrece una capa adicional de intriga, ya que muchos de los rompecabezas son matemáticos y fueron elaborados con la ayuda de un consultor matemático. Esta atención al detalle refleja Cube al respeto por su audiencia y aumenta su estatus como un thriller de ciencia ficción destacado.

5 Existenz es un Verdadero Clásico de Culto

eXistenZ

Allegra Geller, una diseñadora de videojuegos, prueba su nuevo juego de realidad virtual. Cuando un intento de asesinato la obliga a huir con un aprendiz de marketing, difuminan las líneas entre la realidad y el juego, cuestionando qué es real mientras descubren una conspiración.

Pocos directores son tan sinónimos de clásicos de culto como David Cronenberg. En verdadero estilo de Cronenberg, eXistenZ abraza el horror corporal espeluznante y usa imágenes inquietantes para provocar incomodidad. En comparación con gran parte de su filmografía, eXistenZ se destaca por tener actuaciones más fuertes y una trama más coherente, ganándose su lugar como quizás su trabajo más subestimado.

Estrenada durante el auge de la era de la información, eXistenZ explora los temas de la tecnología y su impacto en la sociedad. Al igual que The Matrix, difumina los límites de la realidad al situar su historia dentro de un mundo virtual donde las consecuencias son tan reales como en el físico. Los protagonistas de la película aportan una perspectiva rebelde, ofreciendo una crítica sombría del progreso tecnológico. Personajes como Ted Pikul ven estos avances como parasitarios, haciendo de eXistenZ un comentario intrigante, aunque pesimista, sobre la relación entre la humanidad y sus creaciones.

4 The Iron Giant Podría Competir con Cualquiera de los Clásicos de Disney de los 90

The Iron Giant

Un joven hace amistad con un gigante robot del espacio exterior que un paranoico agente del gobierno quiere destruir.

Para una película infantil, The Iron Giant es notablemente audaz. Cuenta la historia de un robot alienígena enviado a destruir la Tierra, solo para elegir un camino diferente. El vínculo entre el protagonista, un niño de Alaska rural, y el Iron Giant es profundamente conmovedor, una profundidad emocional que pocas películas de ciencia ficción, y mucho menos las animadas, intentan lograr. The Iron Giant captura el misterio de los éxitos de los 90 como The X-Files, mientras mezcla la propaganda de la Guerra Fría con un tono que recuerda a la América de mediados de siglo.

A pesar de ser lanzada durante la era de oro de la animación de Disney, The Iron Giant luchó en la taquilla, probablemente debido a su ambientación arraigada y la falta de elementos tradicionales de cuentos de hadas. Sin embargo, sobresale en el desarrollo de sus personajes, proporcionando una rara profundidad a sus protagonistas adultos, una característica poco común en las películas animadas de la época. La película consolida su estatus como un clásico subestimado con su inolvidable clímax, donde el Iron Giant, desafiando su programación destructiva, declara: "¡Soy Superman!" y heroicamente salva el día.

3 The End of Evangelion Concluye la Compleja Historia de la Legendaria Anime

The End Of Evangelion

Título original: Shin seiki Evangelion Gekijō-ban: Air/Magokoro wo, kimi ni.

Final de cine de la serie de televisión Neon Genesis Evangelion (1995).

Como la conclusión "correcta" de la exitosa serie Neon Genesis Evangelion, The End of Evangelion ofrece los elementos literarios sofisticados y finales satisfactorios que los fanáticos de la franquicia habían llegado a esperar. Si bien la película fue un gran éxito en Japón, permaneció bajo el radar para muchas audiencias estadounidenses debido a sus estrechos lazos con una serie de anime de nicho. Incluso hoy en día, muchos espectadores sienten compasión por ver primero la serie, creando una barrera de entrada para esta notable película de ciencia ficción.

The End of Evangelion profundiza en la condición humana, explorando temas de paraíso, individualidad y la necesidad inherente de conexión. Su narrativa abstracta, rica en alegorías, ofrece mucho en qué reflexionar. El estilo visual de la película es una fusión única de arte centrado en mechas e iconografía cristiana, creando una estética distinta y impactante. Con su audaz exploración temática y sus impresionantes visuales, The End of Evangelion se erige como una obra maestra del anime de ciencia ficción.

2 Gattaca es una Historia Inspiradora en un Género Plagado de Pesimismo

Gattaca

Gattaca presenta un mundo donde la discriminación está arraigada en la perfección genética en lugar de en la raza, el género o la creencia. Esta profunda narrativa, narrada por Ethan Hawke, sigue el viaje de Vincent, un "inválido" con genética defectuosa, mientras persigue su sueño de convertirse en astronauta, un rol reservado exclusivamente para los "válidos". La trama está llena de tensión, ya que Vincent asume la identidad de un válido mientras detectives cierran el cerco sobre su engaño.

A diferencia de muchas películas de ciencia ficción de los años 80 y 90, Gattaca evita la oscura imaginería del ciberpunk o el noir gótico. En cambio, retrata su distopía a través de diálogos sutiles y acciones de los personajes. En el mundo de Vincent, la identidad se reduce a la genética, borrando la individualidad y las apariencias. Nadie cuestiona la verdadera identidad de Vincent, incluso cuando existe evidencia fotográfica de su pasado, porque la sociedad no puede concebir a una persona desafiando su destino genético. La película critica magistralmente la reducción del potencial humano a un código genético, entregando un mensaje conmovedor sobre la perseverancia y el espíritu humano.

1 Ghost in the Shell es la Película de Cyberpunk Animada Perfecta

Ghost in the Shell

Una policía ciborg y su compañero persiguen a un misterioso y poderoso hacker llamado Puppet Master.

Para los fanáticos del anime, Ghost in the Shell es un pilar del género, aunque el estadounidense promedio puede estar más familiarizado con la adaptación de acción en vivo protagonizada por Scarlett Johansson. La película animada original luchó en la taquilla pero ganó un impulso significativo en el mercado del hogar, convirtiéndose no solo en una joya de ciencia ficción pasadas por alto, sino también en una de las mejores películas animadas jamás producidas en Japón.

Ghost in the Shell está impregnada de estética cyberpunk, presentando paisajes urbanos expansivos, paletas de colores oscuros y maquinaria avanzada y diseñada con gran detalle. Si bien cuenta con impresionantes secuencias de acción, como la protagonista, una ciborg, luchando contra un tanque de múltiples patas, la verdadera brillantez de la película radica en su profundidad filosófica. Se sumerge en preguntas de identidad y humanidad, mientras la protagonista se enfrenta a la duda de si su esencia, albergada dentro de un cuerpo robótico, aún la califica como humana. De manera similar, el antagonista, un programa consciente, refleja su viaje, buscando fusionarse con algo orgánico para experimentar la mortalidad. Esta exploración de las líneas difusas entre humanos y máquinas eleva Ghost in the Shell a una obra maestra evocadora y atemporal.