Los 10 mejores ganadores del León de Oro del Festival de Venecia

Celebrado anualmente desde 1932, el Festival de Cine de Venecia es el más antiguo del mundo. Junto con el Festival de Cannes y el Festival Internacional de Cine de Berlín, el Festival de Venecia es uno de los "tres grandes" festivales de cine europeos. Recientemente, muchos candidatos al Oscar han utilizado el Festival de Venecia como plataforma de lanzamiento de sus campañas.

Creado en 1949, el León de Oro es el máximo galardón que se concede en el Festival de Cine de Venecia. El León de Oro sigue siendo uno de los premios más prestigiosos y codiciados de la industria cinematográfica. Numerosas películas galardonadas con el León de Oro figuran entre las mejores de la historia.

Belle de Jour, de Luis Buñuel, está protagonizada por Catherine Deneuve en el papel de una joven ama de casa que sueña constantemente con fantasías eróticas. Al final, sin que su marido lo sepa, se convierte en prostituta, trabajando durante el día mientras su marido está en el trabajo.

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En la 28ª edición del Festival de Venecia, Belle de Jour no sólo ganó el León de Oro, sino que también recibió el Premio Pasinetti a la mejor película. Retrospectivamente, Roger Ebert declaró que Belle de Jour era posiblemente la mejor película erótica de todos los tiempos por su comprensión de la relación entre erotismo e imaginación. En 2010, Empire nombró a Belle de Jour la 56ª mejor película del cine mundial.

Tras establecerse como uno de los cómicos más famosos de Japón, Takeshi Kitano comenzó a dirigir películas a finales de la década de 1980. A lo largo de la década de 1990, Kitano dirigió una serie de dramas policíacos aclamados internacionalmente. Sin embargo, no fue hasta que Hana-bi ganó el León de Oro cuando el público japonés reconoció a Kitano como un cineasta serio.

En Hana-bi, Kitano interpreta a un detective de policía cuya vida personal se ve cada vez más empañada por la tragedia. Como resultado, su comportamiento se descontrola gradualmente. Hana-bi, que significa "flores y fuego" en japonés, es uno de los dramas yakuza menos convencionales del cine y yuxtapone la violencia a la belleza, mostrando tanto los horrores como las alegrías de la existencia.

Dirigida por el famoso cineasta francés René Clément, Juegos prohibidos es un drama de la Segunda Guerra Mundial sobre una joven francesa que se queda huérfana en un ataque aéreo nazi. Se hace amiga de un niño francés pobre y ambos intentan hacer frente a la abrumadora muerte que les rodea.

Además del León de Oro, Juegos prohibidos ganó el Oscar honorífico a la mejor película de habla no inglesa y el BAFTA a la mejor película de cualquier procedencia. El crítico de cine David Ehrenstein calificó la interpretación de Brigitte Fossey como una de las más asombrosas jamás realizadas por un niño. La actuación de Fossey, que sólo tenía cinco años en el momento del rodaje, es un retrato desgarrador de una vida joven alterada para siempre por la guerra.

Tras recibir el León de Oro por Au revoir les enfants, Louis Malle se convirtió en el segundo director de la historia en ganar dos veces el León de Oro. Anteriormente, Malle había ganado el premio por Atlantic City, un drama policíaco protagonizado por Burt Lancaster. Au revoir les enfants es un drama autobiográfico de la Segunda Guerra Mundial sobre un niño francés que entabla amistad con un estudiante judío en un internado.

Au revoir les enfants es una película inolvidable sobre la infancia y la pérdida de la inocencia. Con las interpretaciones estelares de los actores infantiles Gaspard Manesse y Raphaël Fejtö, la película ofrece una de las miradas más desgarradoras del cine a las atrocidades cometidas durante la Segunda Guerra Mundial.

La primera película de la trilogía Tres colores de Krzysztof Kieślowski, Tres colores: Azul está protagonizada por Juliette Binoche en el papel de una mujer que lucha contra el dolor tras la pérdida de su marido y su hijo en un accidente de coche. La trilogía de los Tres Colores trata de la libertad, la igualdad y la fraternidad, temas basados en los ideales de la Revolución Francesa. Tres colores: Azul examina la libertad emocional cuando la protagonista intenta liberarse de la devastación de un trauma pasado.

Tres colores: Azul ganó siete premios en la 50ª edición del Festival de Venecia, entre ellos el León de Oro, la Copa Volpi a la mejor actriz y la Osella de Oro a la mejor fotografía. Tanto The Guardian como la BBC eligieron Tres colores : Azul entre las mejores películas en lengua extranjera de todos los tiempos.

La victoria deRashomon en el León de Oro cambió para siempre la trayectoria del cine japonés. Antes de la histórica victoria de Rashomon, la crítica y el público occidentales ignoraban predominantemente el cine japonés. Sin embargo, tras triunfar en la 12ª edición del Festival de Venecia, Rashomon contribuyó a inaugurar una edad de oro del cine japonés que se prolongó durante las décadas de 1950 y 1960.

Rashomon narra la historia de un juicio en torno al asesinato de un samurái y la violación de su esposa. Rashomon, una profunda exploración de la justicia y la naturaleza de la verdad, presenta una revolucionaria estructura narrativa en la que múltiples personajes ofrecen distintas perspectivas sobre lo que realmente ocurrió. La película también cuenta con la innovadora fotografía del maestro Kazuo Miyagawa.

La batalla de Argel, de Gillo Pontecorvo, es una película neorrealista centrada en la guerra de Argelia. Debido a su controvertida temática, el gobierno francés prohibió La batalla de Argel. La película tardó cinco años en estrenarse en los cines franceses.

En la 27ª edición del Festival de Venecia, La batalla de Argel ganó el León de Oro, el Premio FIPRESCI y el Premio de la Ciudad de Venecia. La batalla de Argel sigue recibiendo elogios por su equilibrio al mostrar los actos de brutalidad cometidos por ambos bandos durante la guerra. En 2003, el Departamento de Defensa de Estados Unidos proyectó La batalla de Argel en el Pentágono como herramienta didáctica para el personal militar en preparación de los conflictos de Irak.

El año pasado en Marienbad, posiblemente la obra magna del autor de la Nouvelle Vague Alain Resnais, gira en torno a dos personas que se conocen en un extraño y aislado castillo. El hombre cree haber conocido antes a la mujer, pero la disonancia espacial y temporal que establece la película hace difícil discernir si ambos se conocen realmente.

El año pasadoen Marienbad es una de las obras más desafiantes del cine. A pesar de ganar el León de Oro, El año pasado en Marienbad polarizó a la crítica. Algunos defendieron la película como obra quintaesencial del postmodernismo, mientras que otros la tacharon de incomprensible. Sight & Sound incluyó El año pasado en Mar ienbad en su lista de las mejores películas, mientras que en 1978 la película se ganó un puesto en el libro The Fifty Worst Films of All Time (Las cincuenta peores películas de todos los tiempos).

Penúltima película de la ilustre carrera de Carl Theodor Dreyer, Ordet es un drama religioso que sigue la vida de la familia Borgen. El patriarca viudo Morten Borgen tiene tres hijos. El mayor ha abandonado por completo su fe religiosa, el mediano se cree Jesucristo y el menor ama a una chica de otra secta religiosa.

El crítico Dave Calhoun afirmó que la palabra "poderoso" no hace justicia a Ordet al intentar describir la resonancia emocional y espiritual que siente el público después de ver la película. Ordet es una evocadora meditación sobre la vida, la muerte y la fe que encierra los misterios de la vida. The Village Voice, Sight & Sound y la BBC incluyeron Ordet en sus listas de las mejores películas.

Desierto rojo, de Michelangelo Antonioni, es la mejor película que ha ganado el León de Oro en el Festival de Venecia. Desierto Rojo está protagonizada por Monica Vitti en el papel de Giuliana, una mujer que lucha por adaptarse a la vida en el mundo industrializado.

Además del León de Oro, Desierto Rojo obtuvo el Premio FIPRESCI y el Premio del Nuevo Cine en el Festival de Venecia. Famosa por su impactante fotografía en color y su brillante diseño de sonido, Desierto rojo aborda temas característicos de Antonioni, como la alienación y la desconexión en el mundo moderno. Para lograr su estética única, Antonioni pintó el entorno natural, como árboles y hierba. El crítico Andrew Sarris proclamó que la puesta en escena de Desierto rojo representa la arquitectura de la ansiedad.