10 películas demasiado reales para su propio bien

Las historias ofrecen una vía de escape muy necesaria: ¿quién no querría pasar un rato en un mundo no contaminado por la realidad? Películas despreocupadas como Amélie y Ferris Bueller's Day Off permiten a los espectadores descalzarse y relajarse tras un largo día. Por otro lado, algunas películas son tan contundentes que el público se queda atónito, consternado o, en general, disgustado.

Estas películas no son necesariamente representaciones gratuitas de las penurias, pero casi siempre ahondan en las corrientes más oscuras de la condición humana. La agonía, la angustia, el tedio y la inquietud son aspectos naturales de la vida y, por tanto, deben explorarse con delicadeza. Dicho esto, hay algunas películas que son demasiado reales. Algunas renuncian a cualquier atisbo de encanto y tranquilidad, mientras que otras esperan que el espectador localice el camuflado resquicio de esperanza.

The Perks of Being a Wallflower fue la primera actuación notable de Emma Watson después de Harry Potter, demostrando la gran amplitud de su talento interpretativo. Los papeles de Logan Lerman y Ezra Miller son tan increíbles como el de Watson, creando una película que es a la vez conmovedora y desgarradora.

Hollywood no ha dejado de producir dramas de madurez teñidos de rosa desde que el director John Hughes reformuló el género en los años ochenta, pero Las ventajas de ser un alhelí es un retrato crudamente realista de la adolescencia suburbana. Los efectos del trauma de Charlie surgen en los momentos más inesperados, Patrick soporta las burlas homófobas de su antiguo compañero y Sam apenas consigue mantener su vida en orden.

Se supone que las películas bélicas deben ser creíbles. Sin embargo, algunas películas notables como Good Morning Vietnam y El gran dictador diluyen la violencia estereotipada del género en favor de un enfoque cómico. Dicho esto, la hiperrealista Full Metal Jacket, de Stanley Kubrick, intenta imitar a la perfección la implacable brutalidad de la guerra de Vietnam.

Al igual que su protagonista, el Joker, esta película sólo puede describirse como un campo de minas impredecible: cada momento, cada paso, cada decisión puede, en teoría, hacer saltar todo y a todos por los aires. Las dos únicas películas bélicas que se acercan a la espeluznante autenticidad de Full Metal Jacket son Apocalypse Now, de Francis Ford Coppola, y Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg.

La vita è bella, popularmente conocida en la anglosfera como La vida es bella, es una obra maestra total y absoluta. El Guido Orefice de Roberto Benigni es uno de los personajes más entrañables de la historia del cine, junto con su adorable hijo Giosué. Las parejas de padre e hijo son argumentos bastante comunes, como se ha visto en Buscando a Nemo y en En busca de la felicidad. La única diferencia significativa es el escenario.

La vida es bella transcurre durante la Segunda Guerra Mundial, exponiendo a sus desventurados personajes a los horrores de la opresión nazi. A pesar de su espantoso entorno, Guido se las arregla para mantener una fachada de alegría y felicidad, protegiendo así a su impresionable hijo de posibles traumas. Hay una cruda realidad oculta en algún lugar de La vida es bella, pero el mundo imaginario de Guido mantiene la macabra verdad fuera del alcance de Giosué.

El público aún no puede decidir si Eternal Sunshine of the Spotless Mind es una desgarradora película lacrimógena o una jubilosa celebración del amor. El guión de Charlie Kaufman, combinado con las excelentes interpretaciones de Kate Winslet y Jim Carrey, se transforma en algo que va más allá de las raíces de ciencia ficción de la película. Los dos protagonistas comparten una serie de interminables reveses románticos, pero invariablemente deciden resucitar su antigua relación al final.

Eternal Sunshine es el equivalente cinematográfico del Gato de Schrödinger. La relación de Joel y Clementine es a la vez mágica y miserable, pero ni siquiera el espectador más inteligente puede predecir su futuro. Puede que decidan romper con amargura o puede que acaben casados. Ambas opciones son igualmente posibles y dolorosamente realistas.

Amour, de Michael Haneke, toma todos los tropos narrativos sobre la vejez y los mezcla en una mezcla combustible de deseo y desesperación. Las devastadoras y profundas expresiones de amor y obligación de Georges y Annes simplemente no pueden distinguirse de las experiencias del mundo real.

Muy pocas personas tienen la suerte de evitar los problemas relacionados con el envejecimiento, y los carismáticos protagonistas de Amour no tienen la suerte de su lado. La apoplejía de Anne deja a su marido ligeramente amargado, pero éste se encarga de cuidarla las veinticuatro horas del día. Georges incluso se niega a ingresar a su debilitada esposa en una residencia, optando en su lugar por aplicarle la eutanasia con una almohada. Amour pone de relieve de forma conmovedora lo que significa amar a alguien, sin importar las consecuencias.

Aunque las comedias románticas "queer" abundan hoy en día, a menudo se centran en narraciones endebles y unidimensionales, como Love, Simon. En el otro extremo del espectro se encuentran películas ferozmente auténticas como Beautiful Thing, que obtuvo una aclamación casi universal cuando se estrenó en 1996.

Aunque no se detiene en conceptos almibarados como el noviazgo, esta película proyecta un aura radiante de esperanza en torno al romance prohibido pero floreciente de Ste y Jamie. Al principio, estos dos chicos se resisten a sentirse atraídos, pero al final acaban cayendo el uno en los brazos del otro, lo que proporciona al espectador una deliciosa dosis de esperanza. Teniendo en cuenta las sombrías condiciones de vida de los chicos, la homofobia no es el único factor perjudicial en Beautiful Thing, lo que la convierte en una de las películas queer más realistas jamás escritas.

Se han hecho numerosas películas desgarradoras sobre el Holocausto, desde La lista de Schindler hasta La decisión de Sophie, pero El pianista , de Roman Polanski, no es menos trágica. La vida del protagonista, Władysław Szpilman, se hace pedazos cuando los nazis invaden Polonia y despojan a su familia de sus pertenencias y su dignidad.

Aunque él evita a duras penas la cámara de gas del campo de exterminio de Treblinka, los padres y hermanos de Szpilman no tienen tanta suerte. El Pianista se niega a moderar su narrativa extremadamente gráfica. Hay una escena especialmente sobrecogedora en la que los nazis arrojan a un anciano en silla de ruedas desde el balcón de un cuarto piso, y otra en la que matan a tiros a una mujer por hacer una pregunta inocente.

Como la mayoría de las películas del catálogo de Pedro Almodóvar, La Mala Educación está repleta de imágenes caleidoscópicas y estudios de personajes íntimos. Dicho esto, esta película examina algunos de los temas narrativos más difíciles que conoce el cine, incluido el abuso sexual infantil. The Washington Post alabó su "misterio, dimensión y belleza impresionantes", mientras que Rolling Stone la calificó de "obra maestra arrebatadora".

Dejando a un lado los elogios de la crítica, La Mala Educación no se basa en artificios baratos ni en versiones PG-13 de la realidad. La película lleva a su público a un viaje atroz lleno de sufrimiento enmascarado, de belleza e inocencia cortadas de raíz antes incluso de que tengan la oportunidad de florecer.

American Beauty fue considerada en su día una de las mejores películas de todos los tiempos, pero las críticas retrospectivas no han sido tan positivas. A pesar de las recientes quejas sobre la falta de sustancia de la película, el estilizado análisis del hastío suburbano del director Sam Mendes sigue siendo tan trascendente como siempre.

La crisis de los cuarenta de Lester Burnham no gira en torno a caros coches deportivos, sino a la amiga adolescente de su hija. La enorme y claramente ilegal diferencia de edad entre Lester y Angela no preocupa a ninguno de los dos, aunque provoca un increíble malestar en el espectador. En el fondo, American Beauty es una historia de la vida cotidiana extraordinariamente elaborada que sigue abriendo nuevos horizontes cinematográficos.

Los alienígenas de ficción se dividen en dos tipos. Losseres benignos como E.T. y los Ewoks de La Guerra de las Galaxias son inevitablemente queridos, mientras que las criaturas monstruosas como el Xenomorfo deAlien y el Yautja de Depredador activan una respuesta de lucha o huida. La protagonista anónima de Scarlett Johansson en Under the Skin pertenece técnicamente a esta última categoría, dado su voraz apetito por hombres humanos ingenuos.

Al mismo tiempo, "ella" parece mostrar cierto afecto y camaradería hacia su insospechada presa. Es difícil adivinar cuáles son sus objetivos, pero el espectador siente al instante una conexión con este complicado personaje. Under the Skin se mete de lleno en la piel del espectador, provocando una emoción inexplicable de la que es imposible desprenderse.