Los 10 estilos artísticos más icónicos de los videojuegos en 3D

No se puede negar que la gran mayoría de los primeros juegos en 3D han envejecido mal décadas después de su lanzamiento inicial. Aunque títulos como GoldenEye, Tomb Raider y Resident Evil causaron sensación cuando aparecieron por primera vez, sus modelos de bajo poligonaje no resisten el escrutinio en comparación con los títulos modernos. La tecnología de la época no era lo bastante potente como para hacer realidad las visiones de los desarrolladores sin hacer concesiones.

Sin embargo, al adoptar un aspecto que se adapta a las limitaciones de su hardware, muchos clásicos poligonales como Grim Fandango y Mega Man Legends siguen siendo igual de impresionantes años después. Estos juegos demuestran que, aunque la tecnología avanza constantemente, la buena dirección artística nunca envejece.

Con el éxito comercial de Full Throttle en su haber, Tim Schafer tuvo más margen de maniobra para realizar una mezcla única de cine negro y Día de los Muertos. Conocedor de las limitaciones de los gráficos 3D de la época, el equipo de Schafer adoptó un estilo artístico que se acomodaba a las restricciones poligonales al tiempo que sumergía a los jugadores en una fantástica tierra de los muertos.

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Peter Chan y Peter Tsacle ayudaron a dar vida a la singular visión de Shafer con su estilizado reparto de calacas y sus atmosféricos escenarios. Como resultado, Grim Fandango se ganó el corazón de los críticos de videojuegos en su lanzamiento en 1998, lo que hizo aún más trágico su fracaso comercial.

La franquicia Parappa the Rapper comprende tres títulos de ritmo. Cada uno de ellos se centraba en las hazañas de varios animales antropomórficos que utilizaban el poder de la música para superar sus problemas cotidianos. Los efectos visuales consistían en personajes planos en 2D que habitaban un mundo mayoritariamente poligonal.

Con este enfoque, Nana-On Sha enriqueció los diseños de personajes de Rodney Greenblat sin sacrificar el encanto y la expresividad de estos estrafalarios personajes. El primer título fue remasterizado para PlayStation 4 con todas sus asperezas suavizadas y presentado en glorioso 4K. En cualquier caso, cada título se ha mantenido visualmente gracias a su atractivo arte.

Años antes de que el cel-shading fuera una realidad, Capcom emuló el aspecto de la animación dibujada a mano con el variado reparto poligonal de Mega Man Legends. En una época en la que las limitaciones tecnológicas hacían inviables las animaciones faciales, el Bombardero Azul y compañía eran algunos de los personajes más expresivos y animados que había visto la PlayStation.

Todo ello reforzado por personajes únicos como la familia Bonne y sus serviciales robots. Mega Man Legends tuvo una secuela propiamente dicha y un spin-off antes de permanecer inactivo durante muchos años. Una tercera entrega para 3DS fue trágicamente cancelada tras la marcha de Keiji Inafune de Capcom.

Hedeki Kamiya dio continuidad a Devil May Cry con un título en 2,5D que evocaba tanto los medios sentai japoneses como los cómics de superhéroes estadounidenses. Viewtiful Joe sumergía a los jugadores en el vibrante mundo de Movieland, donde el héroe Captain Blue era derrotado por las fuerzas del mal.

El epónimo Joe debe salvar a su novia Sylvia y a esta civilización de celuloide de los Jadow. El juego creó una estética de cómic con sus efectos visuales en cel-shading y sus coloridos adversarios. A diferencia de muchos de los clásicos de Capcom, los títulos de Viewtiful Joe aún no se pueden jugar en plataformas modernas.

Cuando se habla de juegos cel-shaded, a menudo se menciona Jet Set Radio. Desarrollada por Team Andromeda, la serie nació del deseo de hacer algo completamente distinto a los títulos de fantasía de Panzer Dragoon.

Inspirándose en medios antisistema como Fight Club,Jet Set Radio ponía a los jugadores en la piel de varios punks patinadores que se enfrentaban a un régimen policial opresivo. Los vibrantes entornos del juego y su ecléctico reparto lo convirtieron en uno de los títulos visualmente más impresionantes de Dreamcast. Por desgracia, su secuela, Future, muy mejorada, aún no se ha reeditado en máquinas modernas.

Para el debut de la serie Zelda en Gamecube, el equipo de Eiji Aonuma adoptó un diseño más caricaturesco y colorista, similar al de una película de animación de Disney. Presentaba los modelos de personajes más expresivos que Zelda había visto nunca. Asimismo, su encarnación de Link destacó como un elemento notable.

Aunque los efectos visuales en cel-shading de Wind Waker resultaron polémicos entre los aficionados, garantizaron que el juego siguiera luciendo igual de hermoso décadas después de su lanzamiento inicial. Por el contrario, el título posterior, Twilight Princess, optó por un aspecto más realista y apagado que envejeció con menos gracia años después.

La segunda incursión de Konami en la brumosa ciudad de Silent Hill se beneficiaría considerablemente de la mayor potencia de la PlayStation 2. Como la distancia de dibujado pasó a un segundo plano, el equipo de Masashi Tsuboyama dedicó más detalles a los personajes y los entornos. Dado que la distancia de dibujado pasó a un segundo plano, el equipo de Masashi Tsuboyama dedicó más detalles a los personajes y entornos del juego.

Como resultado, los modelos de Silent Hill eran de los más intrincados y expresivos que el sistema había visto hasta entonces. Además, los lugares a los que James se enfrentaba en el juego ofrecían una atmósfera sobrecogedora que casi no tenía parangón. Aunque muchos críticos criticaron la niebla del juego, otros la vieron como una elección artística deliberada.

Okami, el canto del cisne de la rama Clover de Capcom, supuso un cambio radical con respecto a los títulos de acción exagerados y grandilocuentes de Hideki Kamiya. Aunque en un principio el juego buscaba un aspecto realista, más tarde adoptó unos estilizados gráficos en tonos celestes acordes con su tema mítico y su novedosa mecánica de pincel.

Okami parecía un cuadro Sumi totalmente jugable, reforzado por su regia dirección artística y el distintivo diseño de sus personajes. Desgraciadamente, tuvo la mala suerte de salir a la venta durante el auge de las consolas de nueva generación, como la Xbox 360. Como resultado, muchos consumidores pasaron por alto Okami. Como resultado, muchos consumidores pasaron por alto Okami.

Tras el éxito de Flower, Joan Chen volvió a ofrecer a los jugadores un título de gran resonancia emocional llamado Journey. Este clásico de PlayStation 3 ponía a los jugadores a los mandos de una misteriosa figura con túnica mientras atravesaban un vasto desierto para llegar a la cima de un majestuoso pico.

Mientras la mayoría de los títulos de esta generación apostaban por el recuento de polígonos y las cinemáticas, Journey optó por un estilo considerablemente minimalista. El juego evitó el diálogo y la exposición en favor de la abstracción y los efectos visuales impactantes para transmitir sus ideas. El resultado fue una de las peregrinaciones más inolvidables del mundo de los videojuegos.

Mucho antes de que el marrón y el gris se pusieran de moda en los juegos de alta definición, Shadow of the Colossus utilizó una paleta de colores apagados con gran efecto. Donde no encajaba bien en varios títulos, el estilo daba al juego una sensación de melancolía y soledad, que quedaba brillantemente yuxtapuesta por las zonas que enfatizaban los colores.

Todos y cada uno de los colosos antes mencionados estaban minuciosamente detallados y bien animados, mientras que el mundo que habitaban era adecuadamente vasto y majestuoso. Shadow of the Colossus recibió un remake en PlayStation 4, y demostró ser una obra de arte independientemente de la plataforma en la que se jugase.