10 animes con los estilos artísticos más realistas
El arte del anime puede ir desde lo primitivo y realista hasta lo psicodélico y triposo. Es una parte importante de la experiencia para los aficionados y, por lo tanto, una de las cuestiones más debatidas. Tanto si se trata de un OVA como de la obra adaptada de un mangaka, el arte puede hacer que una serie de anime sea un éxito o un fracaso.
El realismo en el arte del anime puede ser tan imaginativo como cualquier otro estilo. Se trata de lo que el artista pone en esa sensación de realismo y de cómo la utiliza para crear los mundos creíbles en los que se desarrollan las historias, incluidos los personajes que las viven.
10 Mushishi presenta paisajes magníficamente dibujados de Japón que siguen los viajes de Ginko
Yuki Urushibara es el creador de Mushishi, una serie de manga y anime que ha sido elogiada por su estilo artístico exuberante y realista. La historia, ambientada en un periodo ficticio del siglo XIX cuando el periodo Edo se desvanece y antes de que comience el Meiji, sigue a Ginko, un hombre que puede ver Musi, criaturas primitivas y etéreas.
10 Comics de Batman con estilos artísticos únicos
Los 10 estilos artísticos más icónicos de los videojuegos en 3D
Ginko viaja por Japón ayudando a la gente con sus problemas de Mushi. Los escenarios están muy bien dibujados y son uno de los principales atractivos de la serie.
9 Las flores del mal utiliza un estilo realista con rotoscopia para una gran acción
El inusual estilo de animaciónde Aku No Hana(Las flores del mal) se crea utilizando un fondo dibujado de forma realista y rotoscopia para los personajes. En la rotoscopia, el animador traza sobre el metraje de la película, fotograma a fotograma. Se suele utilizar para crear una acción de aspecto convincente.
El resultado es un fondo muy detallado y naturalista, con personajes que parecen dibujados de forma mucho más primitiva, aunque siguen teniendo un tono realista. Es la sensación de movimiento real que el director quería capturar, y los fans estaban intrigados por el aspecto.
8 El detallado arte de Black Lagoon da vida a la historia del crimen en el sudeste asiático de los años 90
Con sus historias descarnadas sobre el crimen en el sudeste asiático durante la década de 1990, el estilo intrincadamente representativo del mangaka Rei Hiroe tiene sentido y se suma a la historia de Black Lagoon.
La Compañía Lagoon, un grupo de mercenarios piratas, se dedica a introducir y sacar mercancías de la región, donde se encuentran sindicatos criminales como la mafia rusa y las tríadas chinas, junto con refugiados vietnamitas de las guerras. Es un escenario colorido que cobra vida gracias a las ilustraciones.
7 Una combinación de técnicas y un estilo de dibujo realista crean el aspecto de Ergo Proxy
La historia de Ergo Proxy se desarrolla en un futuro postapocalíptico en el que humanos y androides conviven pacíficamente... hasta que los androides adquieren conciencia de sí mismos a través de un virus. Combina la fantasía, la ciencia ficción y el estilo ciberpunk con la filosofía y una compleja trama sobre experimentos secretos del gobierno.
El arte es realista, con una estética de tonos oscuros, creada con animación digital cel en 2D junto con el modelado en 3D. Los fans aprecian especialmente la atención al detalle en la creación de los personajes, sobre todo de Re-I, la heroína de la historia.
6 El mundo de la música clásica cobra vida en el arte de Nodame Cantabile
Música, romance y comedia se combinan en la historia de Nodame Cantabile. Sigue a Shin'ichi Chiaki y su viaje hacia una carrera en la música clásica. Comienza como un niño que viaja con su madre y su padre, un pianista de renombre mundial, por Europa, y acaba conociendo a Megumi Nodame, otra estudiante, y se ayudan mutuamente a cumplir sus sueños.
El arte es realista en lo que respecta a los personajes y al escenario, y la forma de tocar los distintos instrumentos musicales es genuina. Por supuesto, las diversas y pintorescas ciudades europeas donde aprenden y tocan también son increíbles.
5 Las dificultades del amor y el baloncesto en el instituto se tratan en el mundo real en Slam Dunk
En Slam Dunk, Hanamichi Sakuragi comienza la historia como un miembro de una banda con un chip en el hombro, y un resentimiento hacia los jugadores de baloncesto porque su anterior amor lo dejó por uno. Es otra chica, Haruko Akagi, la que le hace cambiar de opinión.
El camino hacia el amor y el baloncesto, por supuesto, no es tan fácil, y pronto está luchando con los rivales, y al final, realmente aprendiendo y sobresaliendo en el deporte. El tono realista de la historia se corresponde con el estilo de dibujo que capta el deporte y la vida del instituto con todo detalle.
4 El arte de Psycho-Pass crea un mundo oscuro y distópico convincente
Con la excepción de los ojos más grandes de lo normal de Akane Tsunemori, el estilo artístico dePsycho-Pass da a la historia un aspecto realista y añade un elemento convincente a su premisa ciberpunk. La emoción generada por la historia se configura con intrincados escenarios y detalles de los personajes, y una estética que parece lúgubre incluso a la luz del día.
Se dice que la serie se inspira en las películas de acción real, especialmente en Blade Runner (la original de 1982), entre otras, donde el diseño general contribuye a la construcción del mundo.
3 fondos de dibujo intrincado destacan en la película El jardín de las palabras
Makoto Shinkai (también conocido como Makoto Niitsu), es responsable de las películas Your Name y Weathering with You, junto con The Garden of Words, todas ellas con su característico estilo de realismo. El jardín sigue la historia de dos desconocidos que se ven atraídos por el amor mutuo a la poesía.
La película, al igual que muchos largometrajes de anime, utiliza una combinación de técnicas, como la animación dibujada a mano y la generada por ordenador, y la rotoscopia. Para crear muchos de los fondos de la película, muy detallados, Shinkai utilizó Photoshop para dibujar sobre sus propias fotografías.
2 El armamento del Arco de Dios recibe detalles dibujados a mano en God Eater
Cuando unos temibles monstruos atacan a la humanidad y las armas convencionales resultan inútiles, la civilización se derrumba. Pero surge una nueva arma viva: el Arco de Dios. Eso explica por qué los creadores de God Eater prestan tanta atención al armamento en la serie de anime.
En contraste con la mayor parte de la serie, que utiliza CGI, el estudio Ufotable utilizó animación dibujada a mano para representar la compleja maquinaria de las armas del Arco de Dios. La atención al detalle de las ilustraciones de la serie ha contribuido a convertirla en una de las favoritas de los fans.
1 Las ilustraciones estelares de Monster son muy apreciadas por los fans
En Düsseldorf, Alemania, el cirujano japonés Kenzo Tenma se da cuenta, con creciente horror, de que un antiguo paciente al que salvó la vida, Johan Liebert, es un asesino en serie. El arte realista hace que los bordes espeluznantes de la historia se sientan demasiado reales, y se suma al impacto de una serie que combina elementos de un thriller con el horror psicológico, el misterio, y lanza una conspiración del gobierno a la mezcla.
Unas perspectivas extrañas e inquietantes de la acción y un paisaje urbano sombrío que parece sumido en una sombra perpetua crean una atmósfera tensa y llena de suspense.
