Las 20 mejores películas de suspense de todos los tiempos

Los thrillers y las películas de suspense suelen atraer a los mejores cineastas, ya que es difícil resistirse a sus intrincadas tramas y a su potencial para ofrecer interpretaciones jugosas. Los thrillers también tienen la ventaja de generar sustos sin el estigma de las películas de terror, que a menudo se consideran (erróneamente) demasiado "básicas" para ser consideradas arte.

El resultado ha sido una cosecha abundante de películas de suspense y suspense de calidad superior de todas las épocas de la historia del género, empezando por la llegada del sonido. Un buen puñado de directores y actores se han hecho un nombre por su trabajo en el género del thriller, entre ellos figuras titánicas de la industria cinematográfica como Alfred Hitchcock, David Lynch y Anthony Hopkins.

Natalie Portman ganó el Oscar por el estudio de Darren Aronofsky sobre una bailarina que pierde lentamente la cabeza bajo la presión de una gran actuación. Cisne Negro se inspira en gran medida en los thrillers de Roman Polanski de los años sesenta, creando un mundo encantado donde la realidad y la alucinación se vuelven indistinguibles. En el proceso, reinventa la idea para el siglo XXI, obsesionado por las celebridades.

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Como estudio del artista bajo presión, da la vuelta a The Wrestler de Aronofsky: muestra a alguien en la cima de su juego en contraste con la ex estrella del final de su carrera de la película anterior. Pero una vez que esos miedos salen disparados de su protagonista, el análisis psicológico se convierte en algo mucho más aterrador. El final mezcla el triunfo y la tragedia hasta el punto de hacerlos indistinguibles.

El difunto William Friedkin tuvo la desgracia de estrenar una de sus mejores -y más sombrías- películas a raíz de Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza. Olvidada en su momento, su actualización de la película francesa El salario del miedo ha madurado hasta convertirse en uno de los mejores thrillers de los años setenta. Cuatro hombres, todos ellos buscados por diversos delitos, aceptan un trabajo desmesuradamente peligroso conduciendo dos camiones cargados de dinamita sudorosa a través de una carretera selvática sin apenas mantenimiento.

Dentro de ese marco, cada bache se convierte en un momento trepidante, que Friedkin convierte en algunos de los momentos más intensos de la historia del cine. Pero los segmentos más fuertes de la película tienen que ver con los cuatro protagonistas, todos los cuales se merecen su destino y, sin embargo, encuentran formas de elevarse en medio de las peores circunstancias. Este trabajo con los personajes da al impactante final una vuelta de tuerca más.

Las obras de suspense son un tema tentador para los cineastas, con perfiles públicos elevados y guiones a menudo casi preescritos. También son más complicadas de lo que parecen, y pueden dar lugar a un teatro enlatado en la mayoría de los casos. Espera hasta que anochezca sortea esos escollos con una facilidad engañosa, a pesar de que se desarrolla más o menos en un único apartamento.

Audrey Hepburn nunca ha estado mejor como "la campeona mundial de ciegos", cuya casa es invadida por unos delincuentes que buscan un botín que ella no sabe que existe. Lo que empieza como un engaño pronto se vuelve mortal, ya que la supuesta víctima de los ladrones demuestra tener muchos más recursos de los que ellos prevén. El director Terence Young utiliza tanto el sonido como las imágenes para crear suspense, así como algunas de las más crueles escenas de gas jamás filmadas.

Harrison Ford se dio a conocer con personajes de varias películas, como Han Solo e Indiana Jones, pero El fugitivo es una de sus pocas películas en solitario que puede contarse entre las mejores. Basada en la prestigiosa serie de televisión de los años 60, Ford interpreta al Dr. Richard Kimble, condenado injustamente por el asesinato de su esposa, que escapa de la cárcel y busca al verdadero asesino para limpiar su nombre.

Bajo los auspicios del director Andrew Davis, El fugitivo condensa el trabajo de cuatro temporadas en 130 minutos de adrenalina cargada de tensión. Todas las escenas de la película se basan en la misma premisa básica de que Kimble no puede dejarse atrapar, incluyendo algunos guiños a Hitchcock que capturan parte de la magia de The Master. Pero el verdadero punto fuerte de la película es el enfrentamiento a distancia entre Ford y Tommy Lee Jones en el papel de su implacable perseguidor, que le valió a Jones el Oscar al mejor actor de reparto.

La extraordinaria carrera de Joel y Ethan Coen comenzó con Sangre simple, con su característico humor sangriento, su compleja trama y la ineptitud humana en plena exhibición. El título se refiere a la forma en que la gente pierde la cabeza en medio de la violencia prolongada, que ellos traducen en un caso de inculpación chapucero que se tuerce en las profundidades de la pradera de Texas.

El argumento bizantino surge de emociones fáciles de entender: celos, codicia y, a veces, simplemente aburrimiento. Con la antifemenina fatal Frances McDormand atrapada en medio, el público puede tirar por su seguridad mientras los otros personajes se desmoronan a su manera.

Tras un prometedor comienzo dirigiendo películas como Columbo y Marcus Welby, MD, Steven Spielberg tuvo la oportunidad de rodar un telefilme. Los resultados -sobre un conductor que cruza el país amenazado inexplicablemente por un gran camión asesino- fueron tan buenos que Duel pasó de ser un telefilme a estrenarse en cines sin problemas. El director nunca miró atrás.

Lo sorprendente de Duelo es lo aterradoramente plausible que sigue siendo 50 años después. Spielberg extrae toda la tensión de la historia corta original de Richard Matheson, sin diálogos en algunos casos y confiando en la interpretación de Dennis Weaver para dar con los momentos emocionales adecuados. A pesar de todas las maravillas que ha creado desde entonces, Duelo se merece un lugar entre las mejores del director.

El período clásico del cine negro de Hollywood terminó extraoficialmente con Touch of Evil, el sombrío examen de Orson Welles de la corrupción en una ciudad fronteriza de Estados Unidos. Aparte de la infame elección de Charlton Heston como héroe mexicano, la película no da un paso en falso, y el propio Welles interpreta al desagradable jefe de policía que incrimina a la nueva novia de Heston por el asesinato de un capo del crimen local.

La política racial hierve a fuego lento bajo la superficie, aunque la película nunca llega a enfrentarse a ella. Sin embargo, tiñe cada rincón de la pantalla, junto con el peso abrumador de un sistema corrupto que premia la indiferencia y la conveniencia. La justicia triunfa en la conclusión, pero como mucho parece una victoria temporal: un cierre apropiado para la Edad de Oro del cine negro.

A David Lynch le interesan mucho los extremos, sobre todo cuando se trata del bien y del mal. Terciopelo azul explora las profundidades de este último que acecha bajo un pueblo maderero de Washington de una pureza casi absurda. Kyle McLaughlin y Laure Dern interpretan a Hansel y Gretel cuando una oreja humana cortada destapa un hervidero de sádicos criminales que acechan tras las vallas blancas.

La verdadera estrella de la película es Dennis Hopper, en el papel del maníaco gaseador cuyos deseos corrosivos transforman todo lo que le rodea en una pesadilla. Lynch añade su singular toque surrealista a la interpretación de Hopper, poniendo de manifiesto lo que la mayoría de los directores sólo insinúan. En medio del optimismo de los 80, ellos -y la película- recordaron a todos lo que aún yacía bajo la superficie.

Las películas tienden a retratar el trabajo policial como algo sexy y aventurero, o como el deber solemne de dedicados bienhechores. The French Connection lo presenta como algo monótono y a menudo miserable: sentarse horas y horas, comer comida en mal estado y rebuscar entre montañas de posibles pruebas con muy pocas posibilidades de encontrar oro. Sin embargo, la película sostiene que no sólo es necesario, sino que a menudo puede ser mortal, con amenazas que surgen aparentemente de la nada.

The French Connection lo filtra a través del prisma del Popeye Doyle de Gene Hackman, que trata de desarticular una red de contrabando de drogas en las malvadas calles de Nueva York. El fallecido William Friedkin rompe todas las reglas del libro junto a su protagonista: elimina el glamour de su mundo y lo sustituye por la ley de la selva. Incluso añade una persecución en coche.

La vida de los otros se enfrenta a la Alemania del Este comunista del mismo modo que La caída de 2004 se enfrentó a los nazis: enfrentándose a lo que media nación vivió durante décadas tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Muestra a miembros de la policía secreta de la Stasi vigilando a un famoso dramaturgo que no ha mostrado previamente deslealtad al Estado.

El director Florian Kenckel von Donnersmarck se basa menos en el suspense que en una paranoia lenta y sigilosa. El turbio protagonista de la película se ve envuelto en juegos mentales tan sutiles que apenas es consciente de ello, lo que hace inútil cualquier noción de lo que significa ser un "buen alemán del Este". Bajo todo ello subyace el inquietante mensaje de que la verdad -la auténtica verdad- podría estar siempre oculta a los ojos humanos.

Pocos thrillers son tan intrínsecamente cinematográficos como Memento, a pesar de su bajo presupuesto y su ambientación sin artificios. El detective aparentemente duro de Guy Pearce ha perdido la capacidad de formar nuevos recuerdos, lo que le deja perdido cada vez que se abre una nueva escena. Christopher Nolan cuenta la historia al revés, ya que su protagonista dispara a un hombre durante los créditos iniciales, y luego da marcha atrás hasta que se revelan sus razones para hacerlo.

Lejos de ser un truco, la estructura pone al espectador en el lugar del detective, invirtiendo los temas tradicionales del cine negro: el engaño y la superficie. Todo se vuelve subjetivo: se elimina el contexto de cada nuevo rostro y circunstancia hasta que el mundo entero se convierte en un misterio. Pearce debe deducir las soluciones, lo que le lleva muy lejos de lo que espera conseguir. Las respuestas que busca se convierten en una tragedia continua, que le obliga a huir de la misma paz que espera encontrar.

La venganza es un concepto fácil para las películas de suspense, pero pocas examinan el coste tan despiadadamente como Oldboy. El aparentemente pasivo hombre de negocios que interpreta Choi Min-sik pasa 15 años encarcelado, sin que se le explique quién lo hizo ni por qué. Su liberación no hace sino ahondar el misterio cuando se dispone a ajustar cuentas con quienquiera que destruyera su vida.

La película es conocida sobre todo por su escena de lucha en el pasillo, de una sola toma, que dos décadas después sigue causando sensación. Pone de relieve un asombroso nivel de violencia, desplegado con creatividad por el director Chan-wook Park. Pero es el tormento psicológico lo que hace que Oldboy perdure en la memoria: revela heridas mucho más profundas que cualquier herida física.

Diabolique se adelanta a Psicosis de Hitchcock instando a su público a no revelar el final. De hecho, el director Georges Clouzot se hizo con los derechos de la novela original de Pierre Boileau y Thomas Narcejac antes que Hitchcock. Es difícil imaginar que ni siquiera El maestro del suspense supere los resultados.

La historia trata de un cruel director de un internado cuya frágil esposa e intrigante amante conspiran para asesinarlo. Todo va bien hasta que el cuerpo desaparece antes de ser descubierto, echando por tierra sus cuidadosos planes. El final merece sin duda una alerta de spoiler, y logra no una, sino dos grandes revelaciones que encajan a la perfección.

La vida imita oscuramente a la vida en el thriller político de John Frankenheimer sobre un grupo de soldados estadounidenses a los que les lavan el cerebro para servir como asesinos políticos. El asesinato de John F. Kennedy, 13 meses después del estreno de la película, hizo una espeluznante coincidencia, y aunque la película nunca fue prohibida (a pesar de los rumores en sentido contrario), su trama aparentemente inverosímil parece ahora aterradoramente plausible.

Frank Sinatra nunca estuvo mejor como uno de los soldados, que suma dos más dos justo antes de una importante convención política en la que está previsto que hable el objetivo de la conspiración. Tampoco Angela Lansbury, que realizó la mejor interpretación de su carrera como siniestra traficante de poder en el corazón de la conspiración. El candidato de Manchuria tampoco se andaba con chiquitas con la política del mundo real, y el tiempo ha demostrado la espeluznante exactitud de sus acusaciones.

Alfred Hitchcock perfeccionó el thriller, con al menos una docena de películas que podrían considerarse las mejores de la historia. North by Northwest es una de sus mejores películas, no sólo por su tensa trama, sino por la forma en que introdujo el humor y el romance en la ecuación. Cary Grant interpreta a un ejecutivo publicitario que es confundido con un agente secreto por unos tipos desagradables que lo quieren muerto.

Juega con elegancia con uno de los tropos favoritos de Hitchcock -el hombre inocente acusado injustamente-, con el matiz de que no hay ningún espía "real" que pague la fianza del Roger Thornhill de Grant. Esto da pie a otro de los temas característicos del Maestro: la fluidez de la identidad. Thornhill se ve convertido en el espía que desesperadamente no quiere ser, envuelto en una irresistible aventura a través del condado cuyas secuencias de acción siguen vigentes hoy en día.

El director Billy Wilder alcanzó su punto más oscuro con Double Indemnity, una sórdida historia de asesinatos que salieron mal y que cimentó el movimiento del cine negro de la década de 1940. El aparentemente honorable vendedor de seguros de Fred MacMurray es seducido para que ayude a Barbara Stanwyck a liquidar a su inoportuno marido. Él tiene la manera perfecta de hacerlo para asegurarse un gran pago del seguro. Naturalmente, todo sale mal a pesar de sus cuidadosos esfuerzos.

Wilder huyó de Europa a Hollywood cuando los nazis llegaron al poder, y las realidades de la guerra se cuelan por los rincones de su historia de asesinatos totalmente americana. Double Indemnity también marca el ritmo de los elementos visuales básicos del cine negro, como el uso expresionista de las sombras y el énfasis en las superficies. Por encima de todo, arroja luz sobre los cínicos fracasos de los protagonistas del cine negro a la hora de hacer realidad sus mezquinos sueños. Como dijo perfectamente MacMurray: "Le maté por dinero y por una mujer. Pero no conseguí el dinero ni la mujer. Bonito, ¿verdad?".

Hitchcock dirigió su mirada hacia el propio público del cine con La ventana indiscreta, envuelta en otra fascinante historia de sórdidos asesinatos domésticos. El fotógrafo que interpreta James Stewart es testigo de un comportamiento sospechoso al otro lado del patio de su edificio de apartamentos, y sospecha que se ha cargado a una esposa desaparecida. Pero la policía no le cree y lo que es peor: su pierna rota le deja más o menos incapacitado para moverse.

Su propia impotencia representa a todos los espectadores incapaces de detener lo que está ocurriendo en la pantalla, especialmente cuando el interés amoroso de Grace Kelly se dedica a husmear. Vértigo suele llevarse la palma en cuanto a tormento psicológico, pero nunca ha sido tan diabólica como ésta.

Más allá de sus propios méritos, M es un testimonio del atractivo perdurable del género. El director Fritz Lang eligió a los asesinos en serie como tema para su primer largometraje sonoro: un asesino de niños ficticio cuyo modus operandi es demasiado verosímil. Desde entonces, el tema se ha convertido en un subgénero en sí mismo, y cada nueva entrega se inspira invariablemente en Lang.

Peter Lorre se convirtió en una sensación internacional como un monstruo sorprendentemente simpático, que evade tanto a la policía como a los bajos fondos locales antes de caer finalmente. Lang nunca suaviza lo que ha hecho, sino que revela tormentos interiores que ningún castigo corporal podría igualar. Se trata de una película tensa, inquietante y, en última instancia, inolvidable: lo más cercano que tiene el género a una obra fundacional.

Viena aún estaba ocupada por los Aliados cuando Carol Reed y su equipo llegaron para rodar El tercer hombre, sobre un traficante negro que intenta eludir a las autoridades haciéndose el muerto. La película refleja un realismo desconocido en cualquier otro momento y lugar, con los escombros todavía asfixiando las calles en medio de hitos más reconocibles como la noria Riesenrad. La guarida de ladrones que aparece en la película resulta así mucho más verosímil.

ElTercer Hombre se cebó especialmente con los americanos, con el héroe Holly Martins aferrado a una moral ingenua sin remedio y su presa Orson Welles cubriendo crímenes monstruosos con alegre frivolidad. El final llega con cínica resignación: la guarida no va a cerrar por la pérdida de un ladrón. La ficción nunca se pareció tanto a la realidad.

Los proyectos sobre Hannibal Lecter tienen sus altibajos, pero todos persiguen a El silencio de los corderos. Pocas películas son tan perfectas estructuralmente, y ninguna explota sus terrores tan artísticamente. La carrera de Anthony Hopkins nunca tendrá un mejor escaparate -el primero entre iguales en una línea sorprendentemente sólida de interpretaciones de Lecter-, mientras que Jodie Foster compartió su triunfo en los Oscar con una interpretación inmortal.

El director Jonathan Demme se despoja de los adornos pulp de la novela (francamente chabacana) de Thomas Harris, dejando a su paso una perfección pura y magra. El silencio de los corderos añade tropos feministas a su superior trama de caza del asesino, junto con horrores de grand guignol que Hitchcock envidiaría. Pero la película trata tanto de la valentía como del miedo: una bala mágica que la eleva por encima de un mero thriller y la convierte en una de las mejores películas de cualquier género jamás rodadas.